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¡FELiZ SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA!

¡FELiZ SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA!

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   Por noveno año consecutivo, hoy, Lunes 04 de mayo de 2015, se celebra la Semana Europea de la Ópera. Durante 7 días, los teatros de ópera europeos abrirán sus puertas tanto a su público de siempre como al nuevo para celebrar el arte de la ópera y el talento de todos aquellos que lo hacen posible. Además, este año, el Teatro Real de la Villa ha sido elegido como sede de la Conferencia internacional de Ópera Europa, que reunirá a los teatros europeos más importantes -desde La Scala de Milán (con su director, Alexander Pereira, a la cabeza) a la Ópera de Viena pasando por el Covent Garden de Londres, La Monnaie de Bruselas y la Ópera de París, entre otros-, y cuyo tema principal de discusión será el uso de las nuevas tecnologías como instrumento para la difusión y promoción de la ópera. Crónica sentimental de un arte total, en el que confluyen la música, el canto, las artes plásticas, y en ocasiones, la danza, al servicio de la Belleza


   Las sensaciones emotivas más extremas del ser humano como la pasión, el amor, la tristeza y el honor, siempre se han digerido mejor con música. Si la música nos conmueve, habla por nosotros, y nos atrapa por una conexión sentimental brutal, la ópera eleva los sentimientos a un plano del más allá. Sus voces extraordinarias, que tienen la capacidad de arrebatar el alma, junto con todos los recursos artísticos y estéticos que la componen, hacen de la ópera uno de los géneros más importantes de la Historia de la música así como una de las señas de identidad cultural de la vieja Europa. Pero, a diferencia de otras corrientes o estilos musicales, que son el resultado natural de la evolución espontánea y nada premeditado de los movimientos o estilos anteriores, la ópera se inventó.


   Corría el siglo XVI, y el Renacimiento estaba en sus últimos años cuando eruditos -músicos, poetas y escritores- florentinos formaron un selecto grupo llamado La Camerata, en casa del conde Giovanni de Bardi, para -probablemente entre copa y copa- discutir sobre el devenir de la música contemporánea, hablar de su hastío y hartazgo por los derroteros que estaba tomando, y soñar con lo que ellos pensaban o suponían que había sido la música en la Antigua Grecia. Su primera reunión (o al menos la primera sobre la que se tiene constancia) tuvo lugar el 14 de enero de 1573, y durante 20 años, estuvieron reuniéndose cada semana religiosamente, para crear un nuevo tipo de música, que llamarían monodia (en contraposición a la polifonía), en el que la voz pudiera ser cantada en una única línea, acompañada por un instrumento musical simple.


   Sentadas las bases del nuevo estilo musical, justo para dar la bienvenida al siglo XVII, solo quedaba su fulminante expansión, que tendría nombre propio: Claudio Monteverdi (1567-1643), retratado aquí. El compositor milanés desarrolló el estilo estudiando la expresión humana, y cuando encontró su vehículo a través de la voz, la dotó de una fuerza y drama contenido jamás visto antes. En cuanto a la orquesta, la convirtió no solo en un acompañamiento para el cantante, sino también en una forma de presentar los ambientes y las cambios de escenas.


   La primera fase de expansión de la ópera tuvo lugar en Venecia, y luego, en Roma, donde se había establecido la corte papal. Pero a finales del siglo XVII, Nápoles tomó el relevo, y la escuela napolitana encontró en Alessandor Escarlatti a su maestro indiscutible. Fue entonces cuando se empezó a diferenciar dos tipos de ópera: la ópera culta y la ópera bufa. En aquella época, la ópera “seria” estaba mejor considerada. Sin embargo, la ópera bufa -con sus piezas cortas de carácter humorístico, que se representaban entre los actos de las óperas “serias”-, acabaría convirtiéndose en una forma de expresión estupendo para la crítica social, que practicaron grandísimos genios como Mozart o Rossini.


   Francia también vivió su particular despertar de la ópera, en el siglo XVII, aunque con mucho menos éxito que sus vecinos del sur. Al igual que Italia, el país galo ilustrado tenían su propia Académie de Poésie et de Musique, cuyos integrantes también investigaban y discutían sobre el devenir de las artes. La primera ópera que se celebró fue por orden del cardenal Mazarino, quien encargó a Francesco Cavalli una ópera para la boda del rey Luís XIV con María Teresa de Austria. Pero la composición no gustó nada al noble público francés, horrorizado por los castratti, descontento por el uso del italiano (en lugar de la lengua nacional), y decepcionado por la ausencia de ballet (algo presente en todas las fiestas, espectáculos y eventos de la época). Entonces, el astuto y perfecto cortesano, Giovanni Battista Lulli (1632-1687), se hizo afrancesar el nombre, pasó a llamarse Jean-Baptiste Lully, y creó las pautas de la genuina ópera francesa según los gustos de los aldeanos.   


   Fue también italiano el que llevó la ópera al impero germánico, cuna de los más grandes compositores de la historia y de las óperas más arrebatadoras. El compositor Antonio Cesti (1623-1669), que solía viajar a Viena durante el verano para disfrutar del clima templado de Austria, aprovechó sus estancias para presentar sus óperas hasta que, un día, el emperador (y músico) Leopoldo I asistió a uno de sus recitales veraniegos, y se enamoró de ese nuevo estilo musical. La ópera se puso de moda al minuto en la corte vienesa, y como marcaba tendencia, en poco tiempo, todas las principales ciudades alemanas quisieron tener sus propios teatros donde poder escuchar ópera. Poco a poco la música salió de los palacios, y se hizo accesible no sólo para los nobles, sino también para las incipientes clases medias. La primera forma de ópera típicamente alemana se llamó singspiel y consistía en piezas cortas populares, cantadas en alemán, a caballo entre la ópera bufa italiana, la opéra comique gala y la zarzuela española.


   En cuanto a Inglaterra, tardó más que sus vecinos europeos en abrazar el nuevo estilo musical, a causa de las guerras de secesión y la llegada al poder del puritanismo, capitaneado por Cromwell, quien prohibió todo tipo de representación musical, por considerarla frívola. Habría que esperar hasta 1689 para encontrar la primera ópera de un inglés y en inglés, Dido y Eneas, de Henry Purcell. Además, la repentina muerte del compositor frustró la creación de una escuela inglesa, y hasta el siguiente siglo, no volvería a entrar ópera italiana (de la mano de un alemán, nacionalizado inglés, que escribía en italiano, Händel), en Gran Bretaña.


   Entre los siglos XVII y XVIII, los castrati -que pasaban por auténticas salvajadas para llegar a ser grandes figuras, bien pagadas y muy consideradas- eran las estrellas de la ópera. Se escribían óperas exclusivamente para ellos por sus extraordinarias voces, que aunaban la dulzura de los niños y la potencia de los adultos. Su origen se remonta a la época del imperio romano, pero su resurgimiento notable vino en el siglo XVI cuando el papa Pablo VI prohibió a las mujeres cantar en las iglesias. Entonces, para seguir oyendo voces agudas, la solución pasó por cortar el tejido testicular de los niños, que demostraban grandes dotes para el canto, a pesar de que la castración por motivos musicales fuera una práctica ilegal. De entre todos los castrati, el más famoso es Farinelli (1705-1782), del que se llevó su vida al cine en 1994. Apodado il ragazzo, tenía legiones de fans por toda Europa, viajó por Viena, Londres y España, donde estuvo varios años viviendo bajo el amparo del rey Felipe V, a quien -según dicen- cantaba todas las noches para calmarle la depresión que sufría. La figura del castrato fue desapareciendo en el siglo XIX, cuando las mujeres empezaron a poder cantar públicamente en las iglesias, y la ópera supo adaptarse a los gustos e ideas políticas, filosóficas y artísticas de cada época, respondiendo a las demandas naturales de cada siglo. 


   Las reformas más importantes vinieron por parte del alemán Christoph Gluck (1714-1787). Resacoso ante tanta exhibición vocal, el compositor alemán decidió que había que abandonar los principios barrocos, dejar las largas y aburridas sucesiones de arias así como los excesos de ornamentación y exuberancia, para centrarse en los principios del neoclásico, que abogaba por el realismo. Impuso que los personajes femeninos fueran interpretados por mujeres y los masculinos por hombres, hizo más presente la orquestación, volvió a los argumentos sobre héroes clásicos, y recuperó la figura de los coros. Sus medidas no tardaron en tener resonancia. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), cuyo virtuosismo y extremada sensibilidad exploraron al máximo la capacidad expresiva de todos los recursos musicales, creó algunas de las mejores y más perfectas óperas: “Don Giovanni”, “Las Bodas de Figaro”, “Cosi fan tutte”, y por supuesto, “La Flauta Mágica”.


   Durante el romántico siglo XIX, Richard Wagner (1813-1883) fue el máximo reformador de la ópera alemana, al hacer suyo el concepto de obra de arte total. Ante la decepción de las ideas ilustradas políticas, su gran esperanza es el estado estético. Para el compositor, libretista, poeta y ensayista alemán, la ópera se convirtió en una manifestación artística a la medida de todo su universo subjetivo. Al beber de las fuentes de la mitología germánica buscando las raíces de la tradición alemana, elevó de forma casi mística a la nación alemana, algo que nunca antes se había hecho. “Tristán e Isolda”, “El anillo del nibelungo”, “Tannhäuser”, etc. marcaron un antes y un después.


   Mientras tanto, en Italia, el gran representante operístico fue Giuseppe Verdi (1813-1901), quien al igual que su colega alemán, trató de ensalzar a la nación italiana a través de grandes producciones. El milanés, que poseía un vigor dramático y una vitalidad rítmica sin precedentes, realizó óperas con un carácter popular marcado, arias reconocidas, y un aire latino, muy al gusto italiano -que nada tenía que ver con el gusto alemán-. En sus obras, las voces de los cantantes seguían siendo las protagonistas, y cantaban las vidas reales de las personas, sus pasiones y sus desengaños (a diferencia de la temática fantástica alemana). “La Traviata”, “Aida”,  “Nabucco” y “Falstaff” hicieron que la audiencia se sintiese cercana y entusiasmada.


   Finalmente, al entrar en el siglo XX, las tendencias se diluyeron. El frenético pulso de las vanguardias y la búsqueda de un nuevo método (una vez destruido el anterior), sumergieron a la ópera en un campo de experimentación donde cabrían la segunda escuela vienesa, el dodecafonismo, el serialismo, la música concreta, el minimalismo, el inicio de la electrónica... 


   ¡Feliz Semana Europea de la Ópera (posmoderna)!


PD (nº1) castiza: Aunque la castración con fines musicales sólo se hacía en Italia, se cree que la práctica pudo originarse en España ya que uno de los primeros castratis en entrar al coro de la Capilla Sixtina fue Hernando Bustamante, natural de Palencia.


PD (nº2) pícara: Según reza la leyenda, los castrati que hubieran conseguido desarrollar un pene adulto (pues dependiendo de la edad y del tipo de operación a la que hubieran sido sometidos, algunos podían conseguirlo), eran los mejores amantes que existían, ya que aguantaban más que los no castrados, y se preocupaban más en el placer de las damas que en el suyo propio, algo poco dado entre los hombres de la época. Además, otro punto a su favor: su incapacidad de dejarlas embarazadas.


PD (nº3) histórica: El Festival de Bayreuth es probablemente el festival de música más longevo del mundo ya que lo inició y promovió Wagner en 1876. Se trata de un festival, que trae cada año a los mejores músicos especializados en Wagner, y sólo representa obras del alemán. Los fans más wagnerianos del mundo suelen esperar incluso años para conseguir sus codiciadísimas entradas.


                                                        (De María Glück, el 04 de mayo de 2015)


Referencias útiles:
SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA 2015


¿CUÁNDO? Desde el Lunes 04 al Domingo 10 de mayo de 2015.


¿QUÉ? Con motivo de la IX Semana Europa de la Ópera, el Teatro Real acoge a representantes de 150 teatros y festivales líricos, procedentes de más de 40 países, para la Conferencia Internacional de Ópera Europa, convirtiendo a Madrid en la capital europea de la ópera. Además, propone:
- Visitas guiadas al Teatro Real del 04 al 10 de mayo, cada media hora, de 10h30 a 13h (Precio: 3 euros);


- una Maratón de Ópera, el 07 y el 08 de mayo, de 9h a 19h: Emisión continuada de fragmentos de "Lo Mejor del Real", en una gran pantalla;


- “La Traviata” en directo, el Viernes 08 de mayo, a las 20h, en los auditorios del Museo Nacional del Prado (M Atocha), del Museo Reina Sofía (M Atocha), del Museo Thyssen-Bornemisza (M Banco de España), de la Casa del Lector del Matadero (M Legazpi), de la Fundación Canal (M Intercambiador de Plaza de Castilla), de la Fundación Francisco Giner de los Ríos (M Iglesia), del Centro Cultural Conde Duque (M Ventura Rodríguez), y del Instituto Italiano de Cultura de Madrid (M Sol); así como en la pantalla instalada en la Plaza de Oriente;


- y la exposición “Vístete de Ópera”, en el Museo del Traje (M Ciudad Universitaria), de Martes a Sábado, de 9h30 a 19h, y los Domingos, de 10h a 15h, hasta el Domingo 17 de mayo de 2015.


Para saberlo todo de la SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA, conéctate a la web del TEATRO REAL (también en Facebook y Twitter); y a la web de ÓPERA EUROPA (también en Facebook).


[Volver a Mi Petit DiscotecaCallejero o Blogosfera]

   Por noveno año consecutivo, hoy, Lunes 04 de mayo de 2015, se celebra la Semana Europea de la Ópera. Durante 7 días, los teatros de ópera europeos abrirán sus puertas tanto a su público de siempre como al nuevo para celebrar el arte de la ópera y el talento de todos aquellos que lo hacen posible. Además, este año, el Teatro Real de la Villa ha sido elegido como sede de la Conferencia internacional de Ópera Europa, que reunirá a los teatros europeos más importantes -desde La Scala de Milán (con su director, Alexander Pereira, a la cabeza) a la Ópera de Viena pasando por el Covent Garden de Londres, La Monnaie de Bruselas y la Ópera de París, entre otros-, y cuyo tema principal de discusión será el uso de las nuevas tecnologías como instrumento para la difusión y promoción de la ópera. Crónica sentimental de un arte total, en el que confluyen la música, el canto, las artes plásticas, y en ocasiones, la danza, al servicio de la Belleza


   Las sensaciones emotivas más extremas del ser humano como la pasión, el amor, la tristeza y el honor, siempre se han digerido mejor con música. Si la música nos conmueve, habla por nosotros, y nos atrapa por una conexión sentimental brutal, la ópera eleva los sentimientos a un plano del más allá. Sus voces extraordinarias, que tienen la capacidad de arrebatar el alma, junto con todos los recursos artísticos y estéticos que la componen, hacen de la ópera uno de los géneros más importantes de la Historia de la música así como una de las señas de identidad cultural de la vieja Europa. Pero, a diferencia de otras corrientes o estilos musicales, que son el resultado natural de la evolución espontánea y nada premeditado de los movimientos o estilos anteriores, la ópera se inventó.


   Corría el siglo XVI, y el Renacimiento estaba en sus últimos años cuando eruditos -músicos, poetas y escritores- florentinos formaron un selecto grupo llamado La Camerata, en casa del conde Giovanni de Bardi, para -probablemente entre copa y copa- discutir sobre el devenir de la música contemporánea, hablar de su hastío y hartazgo por los derroteros que estaba tomando, y soñar con lo que ellos pensaban o suponían que había sido la música en la Antigua Grecia. Su primera reunión (o al menos la primera sobre la que se tiene constancia) tuvo lugar el 14 de enero de 1573, y durante 20 años, estuvieron reuniéndose cada semana religiosamente, para crear un nuevo tipo de música, que llamarían monodia (en contraposición a la polifonía), en el que la voz pudiera ser cantada en una única línea, acompañada por un instrumento musical simple.


   Sentadas las bases del nuevo estilo musical, justo para dar la bienvenida al siglo XVII, solo quedaba su fulminante expansión, que tendría nombre propio: Claudio Monteverdi (1567-1643), retratado aquí. El compositor milanés desarrolló el estilo estudiando la expresión humana, y cuando encontró su vehículo a través de la voz, la dotó de una fuerza y drama contenido jamás visto antes. En cuanto a la orquesta, la convirtió no solo en un acompañamiento para el cantante, sino también en una forma de presentar los ambientes y las cambios de escenas.


   La primera fase de expansión de la ópera tuvo lugar en Venecia, y luego, en Roma, donde se había establecido la corte papal. Pero a finales del siglo XVII, Nápoles tomó el relevo, y la escuela napolitana encontró en Alessandor Escarlatti a su maestro indiscutible. Fue entonces cuando se empezó a diferenciar dos tipos de ópera: la ópera culta y la ópera bufa. En aquella época, la ópera “seria” estaba mejor considerada. Sin embargo, la ópera bufa -con sus piezas cortas de carácter humorístico, que se representaban entre los actos de las óperas “serias”-, acabaría convirtiéndose en una forma de expresión estupendo para la crítica social, que practicaron grandísimos genios como Mozart o Rossini.


   Francia también vivió su particular despertar de la ópera, en el siglo XVII, aunque con mucho menos éxito que sus vecinos del sur. Al igual que Italia, el país galo ilustrado tenían su propia Académie de Poésie et de Musique, cuyos integrantes también investigaban y discutían sobre el devenir de las artes. La primera ópera que se celebró fue por orden del cardenal Mazarino, quien encargó a Francesco Cavalli una ópera para la boda del rey Luís XIV con María Teresa de Austria. Pero la composición no gustó nada al noble público francés, horrorizado por los castratti, descontento por el uso del italiano (en lugar de la lengua nacional), y decepcionado por la ausencia de ballet (algo presente en todas las fiestas, espectáculos y eventos de la época). Entonces, el astuto y perfecto cortesano, Giovanni Battista Lulli (1632-1687), se hizo afrancesar el nombre, pasó a llamarse Jean-Baptiste Lully, y creó las pautas de la genuina ópera francesa según los gustos de los aldeanos.   


   Fue también italiano el que llevó la ópera al impero germánico, cuna de los más grandes compositores de la historia y de las óperas más arrebatadoras. El compositor Antonio Cesti (1623-1669), que solía viajar a Viena durante el verano para disfrutar del clima templado de Austria, aprovechó sus estancias para presentar sus óperas hasta que, un día, el emperador (y músico) Leopoldo I asistió a uno de sus recitales veraniegos, y se enamoró de ese nuevo estilo musical. La ópera se puso de moda al minuto en la corte vienesa, y como marcaba tendencia, en poco tiempo, todas las principales ciudades alemanas quisieron tener sus propios teatros donde poder escuchar ópera. Poco a poco la música salió de los palacios, y se hizo accesible no sólo para los nobles, sino también para las incipientes clases medias. La primera forma de ópera típicamente alemana se llamó singspiel y consistía en piezas cortas populares, cantadas en alemán, a caballo entre la ópera bufa italiana, la opéra comique gala y la zarzuela española.


   En cuanto a Inglaterra, tardó más que sus vecinos europeos en abrazar el nuevo estilo musical, a causa de las guerras de secesión y la llegada al poder del puritanismo, capitaneado por Cromwell, quien prohibió todo tipo de representación musical, por considerarla frívola. Habría que esperar hasta 1689 para encontrar la primera ópera de un inglés y en inglés, Dido y Eneas, de Henry Purcell. Además, la repentina muerte del compositor frustró la creación de una escuela inglesa, y hasta el siguiente siglo, no volvería a entrar ópera italiana (de la mano de un alemán, nacionalizado inglés, que escribía en italiano, Händel), en Gran Bretaña.


   Entre los siglos XVII y XVIII, los castrati -que pasaban por auténticas salvajadas para llegar a ser grandes figuras, bien pagadas y muy consideradas- eran las estrellas de la ópera. Se escribían óperas exclusivamente para ellos por sus extraordinarias voces, que aunaban la dulzura de los niños y la potencia de los adultos. Su origen se remonta a la época del imperio romano, pero su resurgimiento notable vino en el siglo XVI cuando el papa Pablo VI prohibió a las mujeres cantar en las iglesias. Entonces, para seguir oyendo voces agudas, la solución pasó por cortar el tejido testicular de los niños, que demostraban grandes dotes para el canto, a pesar de que la castración por motivos musicales fuera una práctica ilegal. De entre todos los castrati, el más famoso es Farinelli (1705-1782), del que se llevó su vida al cine en 1994. Apodado il ragazzo, tenía legiones de fans por toda Europa, viajó por Viena, Londres y España, donde estuvo varios años viviendo bajo el amparo del rey Felipe V, a quien -según dicen- cantaba todas las noches para calmarle la depresión que sufría. La figura del castrato fue desapareciendo en el siglo XIX, cuando las mujeres empezaron a poder cantar públicamente en las iglesias, y la ópera supo adaptarse a los gustos e ideas políticas, filosóficas y artísticas de cada época, respondiendo a las demandas naturales de cada siglo. 


   Las reformas más importantes vinieron por parte del alemán Christoph Gluck (1714-1787). Resacoso ante tanta exhibición vocal, el compositor alemán decidió que había que abandonar los principios barrocos, dejar las largas y aburridas sucesiones de arias así como los excesos de ornamentación y exuberancia, para centrarse en los principios del neoclásico, que abogaba por el realismo. Impuso que los personajes femeninos fueran interpretados por mujeres y los masculinos por hombres, hizo más presente la orquestación, volvió a los argumentos sobre héroes clásicos, y recuperó la figura de los coros. Sus medidas no tardaron en tener resonancia. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), cuyo virtuosismo y extremada sensibilidad exploraron al máximo la capacidad expresiva de todos los recursos musicales, creó algunas de las mejores y más perfectas óperas: “Don Giovanni”, “Las Bodas de Figaro”, “Cosi fan tutte”, y por supuesto, “La Flauta Mágica”.


   Durante el romántico siglo XIX, Richard Wagner (1813-1883) fue el máximo reformador de la ópera alemana, al hacer suyo el concepto de obra de arte total. Ante la decepción de las ideas ilustradas políticas, su gran esperanza es el estado estético. Para el compositor, libretista, poeta y ensayista alemán, la ópera se convirtió en una manifestación artística a la medida de todo su universo subjetivo. Al beber de las fuentes de la mitología germánica buscando las raíces de la tradición alemana, elevó de forma casi mística a la nación alemana, algo que nunca antes se había hecho. “Tristán e Isolda”, “El anillo del nibelungo”, “Tannhäuser”, etc. marcaron un antes y un después.


   Mientras tanto, en Italia, el gran representante operístico fue Giuseppe Verdi (1813-1901), quien al igual que su colega alemán, trató de ensalzar a la nación italiana a través de grandes producciones. El milanés, que poseía un vigor dramático y una vitalidad rítmica sin precedentes, realizó óperas con un carácter popular marcado, arias reconocidas, y un aire latino, muy al gusto italiano -que nada tenía que ver con el gusto alemán-. En sus obras, las voces de los cantantes seguían siendo las protagonistas, y cantaban las vidas reales de las personas, sus pasiones y sus desengaños (a diferencia de la temática fantástica alemana). “La Traviata”, “Aida”,  “Nabucco” y “Falstaff” hicieron que la audiencia se sintiese cercana y entusiasmada.


   Finalmente, al entrar en el siglo XX, las tendencias se diluyeron. El frenético pulso de las vanguardias y la búsqueda de un nuevo método (una vez destruido el anterior), sumergieron a la ópera en un campo de experimentación donde cabrían la segunda escuela vienesa, el dodecafonismo, el serialismo, la música concreta, el minimalismo, el inicio de la electrónica... 


   ¡Feliz Semana Europea de la Ópera (posmoderna)!


PD (nº1) castiza: Aunque la castración con fines musicales sólo se hacía en Italia, se cree que la práctica pudo originarse en España ya que uno de los primeros castratis en entrar al coro de la Capilla Sixtina fue Hernando Bustamante, natural de Palencia.


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PD (nº3) histórica: El Festival de Bayreuth es probablemente el festival de música más longevo del mundo ya que lo inició y promovió Wagner en 1876. Se trata de un festival, que trae cada año a los mejores músicos especializados en Wagner, y sólo representa obras del alemán. Los fans más wagnerianos del mundo suelen esperar incluso años para conseguir sus codiciadísimas entradas.


                                                        (De María Glück, el 04 de mayo de 2015)


Referencias útiles:
SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA 2015


¿CUÁNDO? Desde el Lunes 04 al Domingo 10 de mayo de 2015.


¿QUÉ? Con motivo de la IX Semana Europa de la Ópera, el Teatro Real acoge a representantes de 150 teatros y festivales líricos, procedentes de más de 40 países, para la Conferencia Internacional de Ópera Europa, convirtiendo a Madrid en la capital europea de la ópera. Además, propone:
- Visitas guiadas al Teatro Real del 04 al 10 de mayo, cada media hora, de 10h30 a 13h (Precio: 3 euros);


- una Maratón de Ópera, el 07 y el 08 de mayo, de 9h a 19h: Emisión continuada de fragmentos de "Lo Mejor del Real", en una gran pantalla;


- “La Traviata” en directo, el Viernes 08 de mayo, a las 20h, en los auditorios del Museo Nacional del Prado (M Atocha), del Museo Reina Sofía (M Atocha), del Museo Thyssen-Bornemisza (M Banco de España), de la Casa del Lector del Matadero (M Legazpi), de la Fundación Canal (M Intercambiador de Plaza de Castilla), de la Fundación Francisco Giner de los Ríos (M Iglesia), del Centro Cultural Conde Duque (M Ventura Rodríguez), y del Instituto Italiano de Cultura de Madrid (M Sol); así como en la pantalla instalada en la Plaza de Oriente;


- y la exposición “Vístete de Ópera”, en el Museo del Traje (M Ciudad Universitaria), de Martes a Sábado, de 9h30 a 19h, y los Domingos, de 10h a 15h, hasta el Domingo 17 de mayo de 2015.


Para saberlo todo de la SEMANA EUROPEA DE LA ÓPERA, conéctate a la web del TEATRO REAL (también en Facebook y Twitter); y a la web de ÓPERA EUROPA (también en Facebook).


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RAFAEL DE LA HOZ (ARDERiUS)
(MAESTROS MODERNOS EN EL COAM)

Hoy, Martes 10 de julio de 2018, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid dedicará, dentro de su ciclo Maestros Modernos, una conferencia...

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RAFAEL DE LA HOZ (ARDERiUS)
(MAESTROS MODERNOS EN EL COAM)

Hoy, Martes 10 de julio de 2018, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid dedicará, dentro de su ciclo Maestros Modernos, una conferencia... 

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LAS MENiNAS (MADRiD GALLERY)

Pintado al final de su carrera, “Las meninas” es la obra maestra de Diego Velázquez. Un cuadro que ha inspirado a artistas, escritores...

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LAS MENiNAS (MADRiD GALLERY)

Pintado al final de su carrera, “Las meninas” es la obra maestra de Diego Velázquez. Un cuadro que ha inspirado a artistas, escritores... 

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Mi PETiT AGENDA
(06, 07 y 08 de julio de 2018)

Para saber lo que se cuece en la capital este fin de semana, consulta Mi Petit Agenda de Tu Petit Madrid...

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