En comparación con otras disciplinas artísticas, como la pintura o la escultura que se practicaban ya en la época de las cavernas, el arte sonoro es una manifestación relativamente reciente, aunque, en ocasiones, parezca que utiliza sonidos propios de trogloditas. Estrechamente vinculado a movimientos como el Dadaísmo, el Futurismo y a las novedades tecnológicas relacionadas con la producción y grabación del sonido, el arte sonoro abrió nuevos horizontes discursivos, que acabaron derivando en otras actividades artísticas como el happening o la performance.

   Hasta el próximo 15 de enero, la Fundación Juan March acoge “Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016”, una muestra que repasa la historia de la creación sonora en España, desde sus primeras manifestaciones a principios de los años 60 hasta la actualidad, con 162 artistas y 400 obras. Para la ocasión, Mi Petit Madrid te propone un Diccionario vibrante...

ARS SONORA Dirigido por José Iges, el programa radiofónico “Ars Sonora”, que se emite desde 1985 por Radio Clásica de Radio Nacional de España, se centra en el arte sonoro internacional en toda su amplitud: desde la poesía fonética a las instalaciones sonoras, la performance, la improvisación o la radio arte. En sus diferentes programas, ha abordado temas relacionados con movimientos como Fluxus, el Futurismo o el Situacionismo y creadores como Juan Eduardo Cirlot, John Cage, Isidoro Valcárcel Medina, Esther Ferrer, Merce Cunningham, José Val del Omar, Llorenç Barber, Frank Zappa, Edgar Varese o Wolf Vostell. Se emite las noches de los viernes al sábado a la 1h de la madrugada, y sus podcast pueden escucharse en cualquier momento.

BARBER, LLORENÇ Creador de propuestas como la “música plurifocal” (con sus “conciertos de ciudad”, realizados con campanas, sirenas de buques y fábricas o automóviles, y “conciertos de los sentidos”), el compositor, escritor, inventor de instrumentos experimentales y artista sonoro valenciano, Llorenç Barber (1948), ha sido discípulo de John Cage (Consulta la letra C) y ha recibido becas para desarrollar sus proyectos de instituciones como la Fundación Juan March o el Ministerio de Cultura. Entre sus obras, destaca el libro La mosca tras la oreja (2010), una monografía editada por la Fundación Autor, en la que se repasa de primera mano la historia de la música experimental y el arte sonoro español.

CAGE, JOHN John Cage (1912-1992), retratado aquí, es sin duda uno de los músicos más revolucionarios del siglo XX, un logro que, en ocasiones, ha conseguido sin tocar o escribir una sola nota. Así sucedió en 4’33’’, una pieza musical en 3 movimientos en la que no se ejecuta un solo sonido. Nacido en Los Ángeles en 1912, Cage incorporó a la música elementos desconocidos hasta ese momento como, por ejemplo, el azar, que en “Music of Changes” (una composición inspirada en el libro oracular chino, I Chin), determinaba el orden de interpretación. A pesar de lo peculiar de sus trabajos, algunas de sus piezas fueron utilizadas por el bailarín estadounidense, Merce Cunningham (1919-2009), para sus coreografías. En la actualidad, en la ciudad alemana de Halberstadt, se está interpretando la obra de Cage “ORGAN2/ASLSP-As SLow aS Possible”, que comenzó a tocarse en 2001 y concluirá 639 años más tarde, concretamente en el año 2640.

DADÁ El Dadaísmo fue uno de los primeros movimientos artísticos que se interesó por el arte sonoro. La libre asociación de ideas y conceptos que los artistas Dadá hicieron en la poesía, también la aplicaron a la música, disciplina en la que desarrollaron instrumentos experimentales o formas inusuales de tocar los ya existentes. Asimismo, la aparición de nuevos aparatos de grabación y reproducción de sonido permitió que los miembros de Dadá desarrollaran piezas de experimentación sonora y de poesía fonética.

ENTORNO Una de las variedades del arte sonoro es aquella que sobrepasa los límites de las galerías de arte y opera en lugares abiertos, haciendo que las piezas se integren e interactúen con el entorno. En inglés, el término elegido es “Environmental Sound” y, entre sus creadores, destaca el escultor italiano Giuseppe Sciola (1942-2016), aka Pinuccio, especializado en tallar grandes rocas realizando en ellas incisiones de diferente tamaño y profundidad, que producen peculiares sonidos cuando son golpeadas sobre su superficie con otras piedras u objetos.

FLUXUS En los años 60, un grupo de artistas y profesionales procedentes de diferentes sectores creativos se constituyeron en un colectivo denominado Fluxus, que operaba bajo la dirección de Georges Maciunas (1931-1978). Para este artista, empresario y galerista lituano, afincado en Estados Unidos, Fluxus debía ser “simple, entretenido y sin pretensiones” y desarrollado por personas que no dominasen especialmente ninguna técnica. A pesar de estos principios (o a consecuencia de ellos), Fluxus tuvo una muy buena acogida internacional y comenzó a ser desarrollado por artistas europeos, norteamericanos o asiáticos. Entre ellos, se encontraban nombres como los de Wolf Vostell, Nam June Paik, John Cage, Yoko Ono, La Monte Young, Genesis P-Oridge y Ben Patterson, artistas todos ellos especializados en arte sonoro, entendido como tal desde conciertos heterodoxos a composiciones sonoras raras o partituras que describían, por ejemplo, cómo serrar un piano.

GARFUNKEL El cuarto disco de Simon & Garfunkel, titulado “Bookends” (1968), contiene el corte “Voices of the old people”, una pieza de experimentación sonora, realizada a modo de collage con fragmentos de charlas con ancianos, que Art Garfunkel había registrado en diferentes lugares de Nueva York durante los meses previos a la grabación del LP.

HATi Formado por Rafal Iwanski y Rafal Kolacki, HATi es un proyecto polaco de experimentación sonora basado en sonidos producidos por instrumentos étnicos, artesanales y objetos encontrados. Su trabajo mezcla la música acústica con la improvisación y el reciclaje. Con su propuesta han recorrido casi todo el mundo, incluido Madrid, donde fueron uno de los grupos elegidos para clausurar la edición 2015 del festival Audiópolis en CentroCentro.

iNSTALACiÓN SONORA La instalación sonora es una de las formas que puede adquirir una pieza de arte sonoro. Los críticos y estudiosos del arte diferencian la instalación sonora de las esculturas sonoras, por considerar que la instalación -a diferencia de la escultura que puede ser colocada en cualquier lugar-, establece un diálogo con el espacio que la rodea y los espectadores que la observan. La instalación también incorpora un elemento temporal, pues su efecto artístico depende de que los visitantes se demoren más o menos frente a ella. De hecho, hay instalaciones con sonidos aleatorios que no precisan de especial atención, y otras que desarrollan piezas sonoras largas, que difícilmente serán escuchadas en su totalidad por los espectadores, salvo que permanezcan junto a la instalación todo el tiempo necesario... cosa que no suele ocurrir.

JUAN MARCH La apuesta de la Fundación Juan March por la experimentación y el arte sonoro no es algo puntual y va mucho más allá que organizar la exposición “Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016”. Desde 1983, la Fundación cuenta con el Centro de Documentación de la Música Española Contemporánea, dedicado a estudiar, promover y conservar proyectos relacionados con la música experimental y electrónica, a través de diferentes soportes, como los casetes, los vinilos, las partituras o las grabaciones de vídeo. También convocan becas y ayudas para el desarrollo de proyectos de arte sonoro.

KURT SCHWiTTERS El artista dadaísta alemán, Kurt Schwitters (1887-1948), creó en 1922 “L’Ursonate”, una sonata de sonidos primitivos inspirada en la repetición compulsiva del primer motivo de un poema-cartel de Hausmann, que contenía las letras “fmsbw”. Esta “composición de sonidos primordiales” fue registrada en soporte sonoro por el propio autor en 1932, en Frankfurt. Se trata de una pieza de algo más de tres minutos, compuesta por sonidos sin sentido, pero con un atractivo resultado, aunque algunos críticos sostienen que “a la larga es un poco demasiado”...

LCDD Los Caballos de Düsseldorf es un grupo de experimentación sonora compuesto por El Burro Ácrata, El Potro de Cascorro, La Yegüa de Dresden y La Mulasaña, pseudónimos tras los que se encuentran miembros de grupos míticos de la escena madrileña como Solex o Patrullero Mancuso. Sus actuaciones se componen de sets de sonidos, ruidos y bucles generados por Doo-Rags, aparatos electrónicos creados por Olaf Ladousse a partir de juguetes viejos, Un estilo que han llegado a definir como “ruidobilly” y en el que se encuentran influencias de Ulan Bator Trío, Kraftwerk o Raymond Scott.

MULTiDiSCiPLiNAR El arte sonoro es una de las disciplinas creativas que aceptan más variantes. Arte sonoro puede ser una escultura, que produzca sonidos de forma intencionada, de forma accidental o por la acción de los espectadores. También puede serlo una composición musical experimental, una pieza audiovisual, una performance, un recital de poesía fonética, un happening, una actuación de música electrónica o una instalación de land art. Son muchas y muy variadas las formas en que puede manifestarse el arte sonoro. Tantas, que algunas de ellas seguro que aún no han sido exploradas.

NOiSE El noise -o ruidismo en castellano- es una forma de expresión artística que cuestiona la diferenciación tradicional entre sonido musical y no musical, lo que hace que utilice el ruido con finalidad musical. El noise puede desarrollar sus planteamientos a través de instrumentos acústicos, instrumentos electrónicos o simples objetos, que se accionan siguiendo partituras o de forma improvisada. Los primeros experimentos ruidistas surgieron con las vanguardias del siglo XX, especialmente Dadá y Futurismo, y continuaron desarrollándose posteriormente gracias a artistas Fluxus, como La Monte Young, autor de la pieza “Two Sounds”, que no es precisamente para bailar.

ÓRGANO MARíTiMO En el puerto croata de Zadar, hay un órgano marítimo que utiliza el aire producido por las olas del mar para accionar 35 tubos de diferentes afinaciones, los cuales generan un sonido aleatorio que recuerda a un coro, un conjunto de flautas o las sirenas de los buques. Esta enorme pieza de arte sonoro, que recorre más de 75 metros del paseo marítimo de esa ciudad adriática, fue creada en 2005 por Dalmatian Stone Carvers, junto al arquitecto Nikola Basic, y ha sido premiada con el European Prize for Urban Public Space. En el puerto de Blackpool, se alza el Blackpool High Tide Organ, una construcción de quince metros que también utiliza el aire generado por las olas para activar un órgano de 18 tubos.

PAMPLONA Durante la última semana de junio y la primera de julio de 1972, se celebraron en Pamplona unos encuentros de artistas e intelectuales que constituyeron un punto de inflexión en la forma de concebir y desarrollar el arte español en la etapa final del franquismo. Dichos encuentros comenzaron como una forma de impulsar la música experimental que desarrollaba el grupo Alea, formado por Luis de Pablo y José Luis Alexanco, pero acabaron teniendo una dimensión internacional, como demuestra el hecho de que acudieran figuras como John Cage o Steve Reich.

QUEBEC Desde el 17 de febrero al 14 de mayo de 2017, se celebrará en la ciudad de Quebec su tradicional Bienal de Arte, en la que tendrán cabida diferentes propuestas de arte sonoro. En esta ocasión, todas las piezas seleccionadas por los comisarios tendrán como hilo narrativo la novela iniciática de la escritora italiana Goliarda Sapienza, L'arte della gioia, traducida en España como El arte del placer.

RUSSOLO, LUiGi Entre los trabajos del compositor italiano, adscrito al movimiento Futurista, Luigi Russolo (1885-1947), destaca el ensayo El arte de los ruidos (1913), en el que afirma que, a raíz de la revolución industrial, el oído humano se ha acostumbrado a los ruidos urbanos, a la energía y la velocidad, lo que obliga a que las composiciones musicales se adapten a esos nuevos patrones estéticos y sonoros. Russolo llevaría al efecto esa filosofía y sería uno de los pioneros en realizar conciertos de ruidos.

SiNGiNG RiNGiNG TREE Situado en el condado de Lancashire (Inglaterra), el Singing Ringing Tree es una escultura de arte sonoro, construida en 2006 por los arquitectos Mike Tonkin y Anna Liu. La pieza, de tres metros de altura y con aspecto de árbol espacial, está compuesta por cientos de tubos de acero galvanizado. Algunos de ellos son puramente estéticos, pero otros están construidos para que el paso del aire por su interior produzca diferentes sonidos.

TANQUE La web www.tankfx.com fue un proyecto de arte sonoro que invitaba a los internautas a enviar por mail clips de audio, que eran reproducidos dentro de un enorme tanque de agua de Alemania. Esa reproducción se grababa y se devolvía en forma de archivo Mp3 al internauta, que podía escuchar cómo su sonido adquiría un nuevo resultado con la reverberación de semejante lugar. Después de casi una década en funcionamiento, el proyecto ha sido abandonado.

URBANO El empleo de sonidos urbanos para crear piezas de arte ha sido otra de las vertientes exploradas por los artistas dedicados a la experimentación sonora. En ocasiones, estos sonidos se han utilizado para llamar la atención sobre la constante exposición a la que está sometido el ciudadano de las grandes ciudades. En otros, esos ruidos, como bocinas de automóviles, tubos de escape de motocicletas o martillos hidráulicos de obras, han sido utilizados como si fueran diferentes instrumentos de una sinfonía urbana. Por otra parte, la documentación de sonidos de la ciudad es otra forma de analizar la evolución de la sociedad de un país y su nivel de desarrollo en lo que se refiere a construcciones, automóviles, zonas verdes, distribución de población, etc.

ViENTO El arpa eólica o arpa de aire es un instrumento musical que no precisa de la intervención humana para sonar. Suele estar compuesta por una caja de resonancia, en cuyo interior hay unas cuerdas que son accionadas por el viento. Este instrumento de sonido aleatorio era conocido desde el siglo XVII, pero no ha sido hasta el siglo XX cuando se utilizase en el campo de la experimentación sonora y el arte. En 2015 se inauguró en la localidad de Negrar, en la provincia italiana de Verona, un enorme arpa eólica de seis metros de altura diseñada por el artista Giuseppe Ferlenga, cuyas seis cuerdas emiten sonidos audibles en un entorno de cuatro metros.

WHiTE “El Disco Blanco” o “The White Album” (1968) es uno de los trabajos más sorprendentes y complejos de The Beatles. En este doble LP, el cuarteto de Liverpool exploró diferentes registros musicales, entre ellos una pieza de experimentación sonora, titulada “Revolution Nº9”, en la que se suceden extraños sonidos, fragmentos recitados, sonidos extraídos de discos de librería de la BBC, orquestas, cintas reproducidas al revés y repeticiones, como el constante “Number Nine”, que se sucede en diferentes momentos de la pieza. “Revolution Nº9” fue la culminación de los experimentos sonoros que The Beatles habían iniciado en “A day in the life”, incluida en el álbum “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” (1967).

X “Composición X” (1939) es uno de los cuadros más conocidos de Vasily Kandinsky. Sobre un fondo negro, aparecen diferentes figuras geométricas y estelas de colores, producidas por el movimiento que esos elementos realizan al ritmo de una música imaginaria. Si bien no es una pieza de experimentación sonora en sentido estricto, el lienzo de Kandinsky avanza lo que, pocos años después, sería la unión entre música y arte. De hecho, ya en 1921, los artistas Stanton MacDonald-Wright y Morgan Russell concibieron el Sincromismo, un movimiento pictórico que establecía una equivalencia entre los colores y los sonidos. Según ellos, si pintaban determinadas tonalidades, generaban en el espectador sensaciones sonoras.

YOKO ONO Integrante del movimiento Fluxus, es una destacada artista conceptual que ha desarrollado happenings, performances, instalaciones y piezas de experimentación sonora, algunas de las cuales fueron realizadas en colaboración con su esposo John Lennon, junto con el que fundó la Plastic Ono Band. Una de sus piezas de arte sonoro consistió en un concierto en el que los espectadores tenían que imaginar la música.

ZAJ Creado en 1964, Zaj es uno de los grupos pioneros en la experimentación sonora española. Formado originalmente por los compositores españoles Juan Hidalgo, Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti, Zaj incorporaría a lo largo de su trayectoria a diferentes músicos y colaboradores de otras disciplinas, como Esther Ferrer, José Luis Castillejo, Tomás Marco o Martín Chirino. En 1967, anunciaron una serie de 7 actuaciones en el Teatro Infanta Isabel de Madrid, de las cuales solo pudieron realizar una por la virulencia y la agresiva reacción del público, que no estaba preparado para semejantes propuestas de arte sonoro. Participaron en los famosos Encuentros de Pamplona de 1972, tras los cuales decidieron abandonar España para desarrollar sus experimentos con más libertad y sin las presiones de las autoridades franquistas.

                              (De Eduardo Bravo, el 29 de noviembre de 2016)

Referencias útiles:
EL ARTE SONORO EN ESPAÑA (1961-2016)

¿CUÁNDO? De Lunes a Sábado y Festivos, de 11h a 20h, y los Domingos, de 10h a 14h, hasta el Domingo 15 de enero de 2017.

¿QUÉ? La exposición “Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016”, que cuenta con José Iges y José Luis Maire como comisarios invitados y con la colaboración de muchos otros artistas y expertos, pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días.

¿DÓNDE? En la Fundación March (ver la ilustración)
Calle de Castelló, 77
28006 Madrid
914 354 240
M Lista / Núñez de Balboa

¿CUÁNTO? Entrada libre.
PD: Visitas guiadas gratuitas, los Martes y Jueves, a las 11h, a las 12h y a las 13h; y los Miércoles y los Viernes, a las 17h, a las 18h y a las 19h (Máximo 25 personas, por orden de llegada).

Para saberlo todo de la muestra, conéctate a la web de la FUNDACiÓN JUAN MARCH (también en Facebook y Twitter).

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